Greed reinventa a tradição coreana em composições ousadas.

O tatuador Greed, residente em Seul, reinterpreta a herança coreana por meio de composições impactantes em preto e branco com toques sutis de cores.

Nascido e criado em Seul, Greed cria composições impactantes enraizadas na herança coreana e na linguagem contemporânea da tatuagem. Seu trabalho mescla a influência da arte tradicional asiática com uma estrutura moderna, resultando em peças que transmitem uma sensação simultaneamente atemporal e atual.

Embora seja amplamente reconhecido por suas composições em preto e branco, Greed também incorpora toques controlados de cores — geralmente vermelho ou azul — para realçar a profundidade, o simbolismo e a atmosfera de seus desenhos. Em vez de recorrer a cores altamente saturadas, ele usa a cor estrategicamente, permitindo que ela eleve o tom emocional sem sobrecarregar a estrutura do desenho.

Sua jornada na tatuagem começou em 2020, não por um desejo inicial de trabalhar na pele, mas depois que muitas pessoas lhe pediram para transformar suas ilustrações em tatuagens permanentes. O encontro com PITTA marcou o ponto de partida em sua transição de ilustrador para tatuador.

Animais simbólicos — tigres, dragões, falcões e lobos — aparecem frequentemente em sua obra, representando proteção, força e uma presença espiritual. Seu principal ponto de virada criativa ocorreu em 2022, o Ano do Tigre, quando uma de suas composições com tigres ressoou profundamente com o público e ajudou a consolidar sua direção artística.

Em vez de replicar a arte tradicional coreana, Greed a reinterpreta. Ele acredita que a cultura precisa ser vivenciada para ser expressa de forma autêntica, e seu trabalho reflete essa filosofia. Atualmente, trabalha no estúdio PITTA KKM / MIZANGWON em Seul, onde mantém um ritmo controlado, priorizando profundidade, intenção e crescimento a longo prazo em detrimento da velocidade.

Seu objetivo é simples, mas poderoso: completar dez anos sólidos como tatuador, com trabalho consistente e significativo — sem pressa e sem se esgotar.

Você é conhecido por suas impactantes composições em preto e cinza, mas também utiliza a cor de forma seletiva. Como você decide quando uma obra precisa de cor?

A maior parte do meu trabalho começa em preto e cinza porque a estrutura vem primeiro. Uma vez que a estrutura esteja suficientemente sólida, a cor torna-se uma escolha, não uma necessidade. Uso a cor apenas quando ela tem um significado simbólico ou quando ajuda a guiar a atenção do observador. Para mim, a cor funciona como um toque sutil na música. Ela deve realçar a estrutura, não dominar a composição.

O que o vermelho ou o azul trazem para o seu trabalho do ponto de vista emocional ou simbólico?

O vermelho geralmente representa energia, vitalidade e intensidade. Em muitas tradições visuais asiáticas, também pode simbolizar poder ou espírito. O azul cria uma atmosfera diferente: introduz distância, calma e uma tensão silenciosa. Não uso a cor simplesmente como decoração. Vejo-a como uma camada que adiciona uma atmosfera emocional à estrutura da obra.

Como você evita que os detalhes coloridos dominem a estrutura dos seus designs?

Trato a cor quase como uma pontuação. O desenho e a composição já devem estar completos mesmo sem cor. Se a estrutura desmorona quando a cor é removida, então o design não era sólido o suficiente desde o início. É por isso que mantenho uma paleta minimalista e aplico a cor apenas onde ela reforça a fluidez da composição.

Em 2022, o tigre tornou-se central em seu portfólio. O que a exploração desse tema permitiu que você fizesse em sua linguagem visual?

O tigre abriu as portas para o meu próprio mundo artístico. Na cultura coreana, o tigre não só simboliza força, como também incorpora humor, espiritualidade e folclore. Trabalhar com esse tema me permitiu explorar o movimento, a expressão e a narrativa de forma mais profunda, além de me conectar às minhas raízes culturais.

Sua tatuagem meia manga de dragão, inspirada em Ilwolobongdo, é muito icônica. O que fez essa peça se tornar tão relevante?

Essa peça foi a primeira vez que interpretei completamente uma imagem tradicional a partir da minha própria perspectiva. Em vez de reproduzir diretamente as referências históricas, tentei traduzir o espírito de Ilwolobongdo em uma composição de tatuagem. Através desse processo, compreendi que a tradição não precisa ser copiada. Ela pode se tornar o ponto de partida para novas interpretações.

Muitos artistas reproduzem diretamente imagens tradicionais coreanas. Por que você opta por reinterpretá-las em vez de restaurá-las?

Vejo a tatuagem como uma forma de expressão viva. Quando imagens históricas são reproduzidas exatamente como são, podem perder sua conexão com o presente. A reinterpretação permite que a tradição continue a respirar dentro de um contexto contemporâneo. Meu objetivo não é preservar o passado exatamente como era, mas sim dar continuidade à sua história de uma nova forma.

Você às vezes descreve seu estilo como "oriental" por simplicidade. Se tivesse que defini-lo com mais precisão, como o descreveria?

Grande parte da minha inspiração vem da perspectiva de ser um artista do Leste Asiático. Minha cultura visual, filosofia e ambiente influenciam naturalmente a forma como interpreto as imagens. É por isso que às vezes descrevo meu trabalho simplesmente como "Oriental". Eventualmente, porém, espero chegar a um ponto em que meu próprio nome se torne sinônimo desse estilo.

Você propositalmente evita sobrecarregar sua agenda com muitos clientes. Como esse ritmo mais lento impacta na sua criatividade?

Tatuar pode facilmente se tornar mecânico se a carga de trabalho for muito alta. Mantendo um ritmo mais lento, dou a mim mesmo tempo para pensar mais profundamente em cada desenho. Esse espaço permite que as ideias amadureçam antes de se tornarem algo permanente na pele de alguém.

De que forma trabalhar na PITTA KKM / MIZANGWON influenciou seu desenvolvimento artístico?

Trabalhar nesse ambiente me permitiu observar muitos artistas talentosos com suas diferentes abordagens em relação à tatuagem. Estar cercado por esse tipo de energia te impulsiona a aprimorar constantemente seu próprio trabalho. Aprendi que a habilidade técnica é importante, mas, no fim das contas, o que define um artista é sua direção e sua voz.

Seu objetivo a longo prazo é completar dez anos sólidos de carreira como tatuador. O que significaria o sucesso, para você, ao final desse período?

Para mim, o sucesso não se resume à popularidade ou à quantidade de trabalho produzido. Se, depois de dez anos, meu trabalho ainda parecer autêntico e reconhecível como minha própria voz, isso já será o suficiente. Quero deixar um legado que mostre uma clara evolução, mas que permaneça enraizado nas ideias que me levaram a começar a tatuar.